UNA PEQUEÑA LECCIÓN DE PINTURA.

Esta exposición es una humilde lección histórica que te permite conocer en síntesis y mediante la exhibición de una obra por estilo, las principales características de la pintura mundial y su evolución.

Es una lección muy sintetizada, no se puede estudiar una época y un arte sólo mediante un cuadro, y ni siquiera están representados todos los estilos artísticos, pero por lo menos, una ligera idea de la esencia de cada periodo y de los cambios producidos en el transcurrir de los siglos ya te puedes ir haciendo.

En cada cuadro, elegido como representativo de una etapa pictórica, puedes leer las características generales correspondientes al estilo artístico de que se trate.

Así que, si has creído hasta ahora que no sabías nada de arte, tal vez eso cambie a partir de hoy mismo. ¡ Hála, empápate!


ARTE RUPESTRE FRANCO-CANTÁBRICO.

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ALTAMIRA. PALEOLÍTICO SUPERIOR.

Los cromañones de hace 15.000 años dependían de la caza para sobrevivir, si no cazaban, no comían. Para lograr mayor éxito en la actividad cinegética, pintan en el interior de las cuevas los bichos que pensaban cazar a quienes reflejan con partes de su cuerpo faltantes, con lanzas y flechas clavadas, etc. Era una "magia de caza" que favorecería, como en el vudú, la "cazabilidad" del animal deseado.

  1. Este arte se desarrolla en la Cornisa Cantábrica española y en el sudoeste francés.
  2. Representa fauna de gran tamaño y clima frío: Bisontes, toros, caballos, mamuts, etc.
  3. Es una pintura realista, polícroma y con gran cuidado por el detalle.
  4. Las figuras no se relacionan entre sí, no forman escenas, son independientes.
  5. No aparece la figura humana pero sí signos misteriosos, manos en negativo y en positivo y lanzas y flechas.
  6. Las figuras se pintan en sitios recónditos e inaccesibles de las cuevas.

PINTURA EGIPCIA. 1700 A. de JC.

LA DIOSA HATHOR Y EL FARAÓN SETI I.

La pintura egipcia es muy fácilmente reconocible porque presenta una serie de convencionalismos que la hacen única. Ante su profundo sentido de la vida del más allá, los habitantes del país del Nilo pintaban cuidadosamente las paredes de sus tumbas con motivos religiosos, cotidianos, bélicos, etc. Las características principales son:

  1. Las caras se muestran de perfil y los ojos de frente.
  2. Se pintan dos manos del mismo lado (dos derechas o izquierdas), al igual que los pies.
  3. Los hombros de frente y la cintura en ¾.
  4. Se acompañan de jeroglíficos con nombres e información.
  5. Los detalles resultan muy modernos, llevan pelucas, joyas, transparencias, vestidos ceñidos, maquillaje y rimel, etc.

ARTE ROMÁNICO.

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CRIPTA DE SAN ISIDORO (LEÓN). S. XII.

La pintura románica se hace al fresco directamente sobre las paredes y techos de las iglesias románicas. Es una pintura colorista y alegre, sencilla e ingenua. Persigue difundir el mensaje evangélico entre los fieles en su mayoría analfabetos.

Se pintan primero los contornos en negro y posteriormente se rellenan de color, colores vivos y sin graduar, con el mismo tono e intensidad. No existe la perspectiva y no es una pintura realista. La temática es religiosa y moralizante y plasma los temas con una deliciosa ingenuidad; es como si estuviese realizada por niños. Precisamente esa sencillez y gracia es lo que la hace tan clara y atractiva. Las figuras tienen un tamaño acorde con su importancia, las cabezas suelen aparecer a la misma altura (isocefalia) y existe una notable geometrización de las formas, además de hieratismo y frontalidad.


PINTURA GÓTICA.

EL DESCENDIMIENTO DE LA CRUZ.

EL DESCENDIMIENTO. VAN DER WEYDEN. S.XV.

La pintura gótica tiene varios focos de difusión desde el siglo XIII al XVI. Como Italia, Flandes, Francia, Alemania y España. En el foco flamenco hay muchas novedades y grandes pintores como Van Eyck, Van Der Weyden y El Bosco destacan sobremanera.

La pintura gótica abandona el muro para realizarse sobre tabla y estos pintores introducen el óleo, técnica con grandes ventajas.

Aunque no se domina la perspectiva, se busca cierto realismo en las anatomías, ropajes y expresiones. El colorido es rico y variado. Las figuras tienen cierta volumetría (tridimensionalidad) y en las tablas existen ciertas estructuras góticas. En los fondos predomina el oro y los detalles asombran por su minuciosidad y perfección.


RENACIMIENTO.

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TONDO DONI. MIGUEL ANGEL. S. XVI.

El renacimiento rescata la antigüedad clásica (Grecia y Roma) y se sacude en parte la ignorancia del medievo y el teocentrismo. El hombre es la medida de todas las cosas y está orgulloso de sí mismo, de su cuerpo y de su mente. Los pintores investigan febrilmente para reflejar en sus lienzos la realidad y la belleza. Es un realismo idealizado con cuerpos 10, posturas cuidadas y gestos contenidos; el desnudo triunfa. Se avanza en el conocimiento de la perspectiva mediante líneas y puntos de fuga, difuminado progresivo, punto de vista alto, contrastes para marcar la corporeidad de las figuras, etc.

La composición de volúmenes es ordenada y geométrica; se cuida mucho la armonía y la proporción; las figuras aparecen individualizadas y perfectamente definidas.

Miguel Ángel, además, trabaja anatomías poderosas con gran musculatura y colorido de tonos rechiflantes como verde manzana, naranja encendido, rojo fuego, fucsia, amarillo, azul...


ARTE BARROCO.

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LECCIÓN DE ANATOMÍA. REMBRANDT

El Barroco surge como reacción frente al academicismo y normativismo del Renacimiento. Se reivindica la libertad total del artista que crea a su antojo. El barroco es prácticamente opuesto al Renacimiento:

  1. Fuertes contrastes de luces-sombras y de colores vivos.
  2. Posturas forzadas, equilibrios inestables, composiciones en diagonal, aspa, etc.
  3. No se huye de lo feo, grotesco y desagradable como cadáveres en putrefacción, tormentos, martirios...
  4. Gran teatralidad en los gestos y expresiones. Todo es muy declamatorio y exagerado.
  5. Se busca el efectismo, la sorpresa. Las figuras salen a veces del marco o quedan cortadas por él.
  6. Movimiento a veces desenfrenado que contrasta con la quietud renacentista.

ARTE NEOCLÁSICO.

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MUERTE DE MARAT. DAVID.

Vuelta a la antigüedad clásica en franca reacción anti-barroca.

Los pintores neoclásicos tratan temas mitológicos e históricos con frialdad y distanciamiento. No se aprecia sentimiento ni pasión. Todo es serio y formal, se ajusta a una rígida normativa de formas, volúmenes, colorido y luces. Se cultiva naturalmente el desnudo que aparece muy cuidado en su belleza estética y en sus proporciones.

Muy distintos artistas crean en esta época (finales del XVIII, principios de XIX), destacando Ingres, David, Mengs y el genial Goya.

En la Muerte de Marat, David nos muestra este episodio histórico con simpleza compositiva pero con gran fuerza. Es una obra objetiva interpretada como un homenaje al héroe revolucionario.

En ella el pintor refleja con grandilocuencia la escena del último instante vital de Marat, sopesa los volúmenes y su distribución racional en el espacio, la actitud de serenidad y contención gestual del personaje y la luz lateral que dignifica todavía más la escena.


IMPRESIONISMO.

CAMILLE PISSARRO.

El impresionismo nace en París en torno a 1870 como reacción frente al frío y académico arte oficial de la época. Una serie de pintores comienzan a trabajar en un arte novedoso que consiste en pintar al aire libre diversos paisajes captando siempre lo fugaz e inmediato.

Los impresionistas no utilizan el color negro ni pintan contornos. Sus pinceladas son pequeñas y de colores puros, debiendo contemplar los cuadros a cierta distancia para que nuestra vista funda esos toques de color.

Todo lo instantáneo les gusta: el humo, el agua, la niebla, la lluvia, etc. Suelen pintar el mismo sitio en diferentes estaciones y en distintas horas del día para captar como las condiciones atmosféricas y lumínicas modifican nuestra percepción de la realidad.

Su trabajo siempre es al aire libre y resulta muy meritorio captar el ambiente atmosférico entre los objetos y personajes representados, dándonos la sensación de que podemos meternos en la escena y caminar y mezclarnos con lo representado.


CUBISMO.

PICASSO.

Picasso fue un gran creador de tendencias y estilos, siendo uno de los más curiosos el Cubismo. En "Las señoritas de Avignon" se inicia la tendencia a la geometrización cúbica de las figuras de forma que, aún identificándose, son muy originales.

El cubismo reduce la realidad a formas cuadrangulares y rectangulares. Este caso concreto responde al cubismo analítico, que compartimenta la realidad como si la viésemos a través de un caleidoscopio; en ocasiones nos es difícil identificar los objetos.

El color se reduce al mínimo y las gamas son muy exiguas, lo importante es la simplificación de las formas y la nueva propuesta cubista que Picasso ayudó a crear y poner en marcha. Planos distintos tangentes o superpuestos que conforman un todo original y polémico.


EXPRESIONISMO ABSTRACTO.

JACKSON POLLOCK.

Jackson Pollock (1912-1956) aplicó una nueva técnica: el chorreado (dripping) consistente en poner la tela en el suelo, prescindiendo del caballete, y aplicar la pintura sin pincel, lanzando botes y tubos abiertos, bailando alrededor con los botes de pintura para homogeneizar sus obras, en fin, todo muy "activo". Él mismo decía que lo importante no era la obra terminada sino el proceso de creación. Aquí puedes ver su "Lucifer" claro exponente de lo anterior. Este chorreado forma parte de un estilo llamado expresionismo abstracto, cuyas características principales son el abstractismo, la importancia del color y la indefinición de las formas de manera que el pintor retrata su mundo interior, sus impulsos y no intenta copiar ninguna realidad exterior a sí mismo.


POP ART.

MUJER EN EL BAÑO

ROY LICHTENSTEIN.

Este estilo pop surge en los años sesenta como un arte para la masa, inmediatamente consumible y repetitivo.

Se trata de una estética moderna que utiliza la fotografía, el grabado, la fotocomposición, etc. Se busca la satisfacción del cliente-consumidor y no se tratan temas profundos o comprometidos política y socialmente. La interpretación de las obras no presenta mayores problemas, basta con un vistazo superficial ya que el pop-art busca la máxima simplicidad. Además, no se bucea en las cosas sino sólo en su representación, por ello se reproducen muchas creaciones anteriores.

Las imágenes se fabrican en serie y los temas son banales (Marilyn Monroe, Coca-cola, transportes públicos, etc).